Creación escénica y pensamiento: Rito, tiempo y dramaturgia

El Centro Cultural de España invita a participar en las III Jornadas Internacionales de pensamiento y Creación Contemporánea tituladas Creación escénica y pensamiento: Rito, tiempo y dramaturgia. Una propuesta de SóLODOS, enmarcada dentro de las actividades del Festival Sólodos En Danza Costa Rica 2026, co-organizada con el Centro Cultural de España en Costa Rica y el Máster en Pensamiento y Creación de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León (España). 

Este encuentro, que se inauguró en el 2024, nace como espacio de pensamiento interdisciplinar que se propone recorrer lugares fronterizos entre la creación y la filosofía, entre lo real y su representación, entre la teoría crítica y la acción artística. Supone, por tanto, un espacio para reivindicar la capacidad de las artes para interpelarnos y dialogar sobre dilemas morales o existenciales, así como los retos y problemáticas a la que se enfrentan las sociedades actuales. Creación y pensamiento comparten una línea de continuidad natural. Lo que en las artes se representa como metáfora, oralidad y figuración se articula en el campo del pensamiento como concepto, tesis o paradigma.

Julio Provencio, docente del Máster en Pensamiento y Creación Contemporánea de la Escuela Superior de Arte Escénico de Castilla y León (España), propone trabajar mediante un diálogo situado a medio camino entre la reflexión y la dramaturgia. Para ello, se acudirá a los casos concretos, a los ritos que cada persona conoce y que configuran su imaginario creativo. Por ello, los y las participantes aportarán una ‘hipótesis dramatúrgica’: una idea germinal de un posible espectáculo o acción teatral que se base de alguna manera en un rito comunitario presente en su vida, en su pasado, en su entorno o en sus ámbitos de interés. 

Además del profesor Provencio, también participará el PhD. Carlos Salazar Zeledón, docente de la Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica. 

• Fechas: martes 10, miércoles 11 y jueves 12 de noviembre
• Horario: de 2:00pm a 6:00pm
• Lugar: LAB del CCE (diagonal a la Casa del Cuño)
• Cupo limitado
• Convocatoria abierta hasta el 4 de noviembre
• Link de inscripción: https://forms.gle/RDxG6PWyrnvktfe7A

INTRODUCCIÓN 

El teatro sigue siendo un espacio privilegiado para la experimentación con formas alternativas de experiencia: pensar y sentir de otra manera, estar juntos de otra manera, mirar a nuestro presente de otra manera. Su potencia no reside únicamente en las historias que cuenta, sino también en las condiciones de encuentro que produce: cómo reúne los cuerpos, cómo organiza la atención, qué relaciones establece entre quienes actúan y quienes observan, qué duración concede a cada acción. Este curso propone investigar esa potencia a través del diálogo entre la dramaturgia contemporánea y los ritos comunitarios. No para recuperar una supuesta esencia perdida del teatro, tampoco para romantizar de forma ingenua la persistencia de esos ritos, sino para explorar cómo ciertos gestos, estructuras y modos de participación rituales pueden ayudarnos a construir escénicamente otros discursos y otras experiencias del tiempo. 

CONTEXTO

“Los ritos estructuran la vida como si fueran sus estaciones. Quien traspasa un umbral ha concluido una fase vital y entra en otra nueva. Los ritos de paso, los umbrales, como transiciones que son, ritman, articulan e incluso narran el espacio y el tiempo”  
(B. C. Han, La desaparición de los rituales) 

Vivimos una época de aceleración social, tal y como reflejaba P. Virilio y más recientemente H. Rosa en sus análisis sobre la vida contemporánea. El sociólogo alemán distingue además tres dimensiones relacionadas entre sí: la aceleración tecnológica, la aceleración del cambio social y la aceleración del ritmo de vida. No se trata, por tanto, de que hagamos más deprisa lo que antes hacíamos lentamente, sino de que se transforman con creciente rapidez los marcos que orientan nuestra existencia: los vínculos, las instituciones, las expectativas y las formas de trabajo. La sensación de no disponer de tiempo deja así de ser un problema exclusivamente individual y aparece como una condición estructural de nuestra vida compartida. 

Desde este diagnóstico, nos preguntaremos qué puede hacer la dramaturgia con el tiempo, y en qué medida puede ofrecer batalla a ese modo de vida acelerado. La dramaturgia como un ámbito de reflexión y de creación para investigar sobre ritmos, tempos y temporalidades heterogéneos.

Por un lado, desde el ámbito más teórico, podemos apuntar a las reflexiones de A. Eierman sobre el teatro post-espectacular o E. Fischer-Lichte sobre la temporalidad performativa. Pero por otro lado, propongo que acudamos a prácticas concretas vinculadas a la tradición y lo comunitario: que nos fijemos el rito popular. El rito, la fiesta, entendidos como una fuente primaria de la que sigue bebiendo lo escénico (tal y como apuntan R. Schechner o V. Turner desde la antropología y los ‘performance studies’) y que de manera ancestral ha ido ritmando la comprensión colectiva del tiempo y la vida.  

RITO Y TEATRO 

“Las fiestas son por esencia un momento de ruptura, un tránsito, un punto de inflexión entre dos épocas de trabajo; pero a la vez son los hitos de la permanencia, de la continuidad. Si el trabajo, la actividad ordinaria, exige un tiempo serio, profano, productivo, periódicamente todas las comunidades humanas lo rompen con momentos alegres, sagrados, improductivos; y el calendario adquiere su ritmo gracias a esos momentos rojos, no por la sucesión de días impresos en negro.” 
(E. del Arco, C. González, Fiestas de invierno) 

Planteo una reflexión práctica en torno al encuentro de dos polos: los ritos populares presentes en los lugares de procedencia y vida de los participantes; y la dramaturgia contemporánea como búsqueda de formas alternativas de experiencia. ¿Qué comprensión del tiempo (individual y colectivo) lleva inserto cada rito? ¿Cómo intervienen en ellos la pertenencia comunitaria y la conversión identitaria? ¿Cómo puede dialogar nuestra escritura escénica con esos ritos sin convertirse en su falsificación?  

Así, el rito comunitario será nuestro punto de partida para la exploración: celebraciones, despedidas, duelos, iniciaciones y otras prácticas que marcan transiciones o articulan la vida de un grupo, prestando especial atención a los ritos de paso. Más que elaborar un inventario de tradiciones, trataremos de reconocer qué operaciones realizan: separar un tiempo de otro, señalar un umbral, disponer los cuerpos, congregar una emoción compartida, dar la palabra, repetir un gesto, reconocer una ausencia, hacer pública una transformación...; y de qué herramientas se sirven: sacrificio, convite, ironía, violencia, disfraz, reconocimiento, adorno… 

A partir de este marco, preguntaremos qué sucede cuando una operación ritual se convierte en una decisión dramatúrgica. ¿Cómo se transforma un acontecimiento colectivo en una situación escénica? ¿Qué implica que un objeto pase de mano en mano, que un nombre se pronuncie públicamente o que una acción solo pueda concluir cuando todos hayan intervenido? ¿Qué cambia si el público es testigo, invitado, participante o destinatario de una transición? Nuestra investigación no se limitará a incorporar imágenes o motivos rituales a una historia. Buscará reconocer en ellos principios de composición: maneras de organizar el espacio y el tiempo, de establecer relaciones, de producir expectativas y de atravesar conjuntamente un umbral. El rito se abordará así como una posible herramienta para pensar la dramaturgia y no únicamente como un contenido que llevar a escena. 

PROPUESTA 

Durante el curso trabajaremos mediante un diálogo situado a medio camino entre la reflexión y la dramaturgia. Para ello, acudiremos a los casos concretos, a los ritos que cada uno conoce y que configuran su imaginario creativo. Por ello, solicitamos a los participantes el envío previo de una ‘hipótesis dramatúrgica’: una idea germinal de un posible espectáculo o acción teatral que se base de alguna manera en un rito comunitario presente en su vida, en su pasado, en su entorno o en sus ámbitos de interés. No se pide una propuesta cerrada. Cada hipótesis funcionará como un material de investigación compartida: su presentación dará lugar a preguntas, asociaciones, contrastes y posibilidades de composición.  

El participante puede elaborar un documento de no más de un folio, que incluya apartados como los siguientes: presentación del rito de partida -en qué consiste, quiénes participan y qué relación mantiene con él-; presentación de la propuesta dramatúrgica -qué espectáculo o acción imagina y qué desea investigar o recuperar del rito-; espacio de desarrollo -dónde tendría lugar y cómo se dispondrían participantes y espectadores-; temporalidad -duración, ritmos, repeticiones, fases o formas de comienzo y cierre-; y otros elementos relevantes -personajes, fábula, cuerpos, objetos, palabras, sonidos o materiales... Estos apartados serán una guía flexible, no un formulario que deba completarse a toda costa. El propósito del trabajo será que cada participante pueda revisar su intuición inicial, reconocer sus tensiones y encontrar decisiones dramatúrgicas con las que continuar desarrollándola tras el taller si así lo desea. 

Invitados:

Julio Provencio / España:

Profesor titular de Estética en el Departamento de Dramaturgia y Ciencias Teatrales de la ESADCYL, y miembro del equipo coordinador del Máster Pensamiento y Creación Escénica Contemporánea. Es autor y director de ...and breathe normally (...y respiren con normalidad), Sollertinsky y Espejos de carnaval, entre otras, y director de 337 km, Cuando caiga la nieve y La velocidad del sonido. Ha sido ayudante de dirección de Angélica Liddell y Bárbara Lluch y desde 2016 pilota el proyecto Becuadro Teatro, marco de producción en el que se han desarrollado la mayor parte de sus creaciones escénicas. Es licenciado en Filosofía, Máster en Humanidades y Máster Europeo en Artes Escénicas, y se ha formado complementariamente con Enzo Cormann, Juan Mayorga, Jean-Pierre Ryngaert, Simon Stephens, Gianina Carbunariu, Borja Ortiz de Gondra, Pascal Rambert, Ivana Müller o Roger Bernat, entre otros, siendo seleccionado en diversos programas de creación nacionales e internacionales (Biennale di Venezia, Obrador d’estiu Sala Beckett, ETC Cuarta Pared o SEET La Chartreuse Villeneuve lez Avignon).

Carlos Salazar / Costa Rica:

Director y profesor de teatro, e investigador de los estudios del performance. Doctor en Drama, Historia y Teoría Crítica de la Universidad de Washington (USA). Becario Fulbright-Laspau por el gobierno de los Estados Unidos (2016-2018).

Director profesional de teatro, entre sus trabajos destacan: “Maquinal” de Sophie Treadwell, “Amadeus” de Peter Schaffer, “Don Juan” de Moliere, “Crónica de una muerte anunciada” de Gabriel García Márquez, o “La Malinche” de Víctor Hugo Rascón Banda, entre otros.

Docente de la Escuela de Artes Dramáticas, la Maestría en Artes y la Maestría en Artes Escénicas de la UCR.

Sus líneas de investigación versan sobre las representaciones religiosas en la esfera de lo público, y más recientemente sobre las masculinidades divergentes en el teatro y performance en Costa Rica. Coordinó la Cátedra Sara Astica (2023-25), miembro de la Comisión del Posgrado de Estudios Interdisciplinarios sobre Discapacidad, y miembro del grupo de investigación interdisciplinaria del Doctorado en Estudios de la Sociedad y Cultura, en la UCR.

Parte del Comité Científico Internacional de la Revista “Dialéctica Escénica” de la Universidad Autónoma de Nuevo León, México. Miembro de la American Society for Theatre Reserach, la Mid-American Theatre Conference, la Asociación Mexicana de Investigación Teatral, y miembro invitado por Costa Rica ante la Comisión Latinoamericana Inter Asociaciones Nacionales de Investigación Teatral.